Giuseppe Inglese

Les origines de la recherche

Giuseppe Inglese naît à Rivoli en 1978. Il vit et étudie dans la région de Turin et, en 1998, s’inscrit en philosophie à l’Université de Turin.

Ses années de formation sont marquées par un intérêt constant pour les rapports entre expérience, perception, identité et réalité. La philosophie, la psychologie et l’étude des processus perceptifs nourrissent une recherche d’abord existentielle, puis de plus en plus liée à la pratique artistique.

La critique kantienne, les études de la Gestalt sur la perception — notamment celles de Kurt Koffka, Wolfgang Köhler et Max Wertheimer — et le dialogue avec l’existentialisme occupent une place importante. Parallèlement, il approfondit les liens entre signe, geste, couleur et vie intérieure.

L’art devient progressivement le lieu où ces questions peuvent prendre une forme sensible : non pas l’illustration d’une théorie, mais une expérience où matière, perception, geste et interrogation sur l’existence se rencontrent.

Il commence à pratiquer l’art en autodidacte à l’adolescence, puis approfondit son travail au contact d’artistes et d’ateliers de sa région. En 2011, il ouvre son premier atelier, donnant une assise durable à son activité et à sa recherche.

Matière, vide et présence

La première phase de sa production est surtout picturale et aborde la présence de l’être, la fragmentation, la relation à l’autre et la condition de l’individu dans le monde.

Progressivement, la recherche se déplace de la matière vers le vide. Le trait et le fil métallique acquièrent une importance croissante, jusqu’à devenir une nouvelle grammaire visuelle capable de construire la forme sans la remplir entièrement.

En 2012, Inglese abandonne progressivement la matière picturale pour le tressage métallique. Le fil devient à la fois structure, dessin, geste et mouvement, tandis que le vide entre dans l’œuvre non comme une simple absence, mais comme un élément actif de la sculpture.

La sculpture comme lieu de lumière

En 2013, il réalise sa première sculpture luminescente en fil d’acier entrelacé à la main. Dès lors, la lumière s’inscrit durablement dans son langage artistique.

La luminescence n’est pas un simple effet visuel. La lumière traverse la trame métallique, transforme la perception de la forme et rend mouvante la frontière entre matière et immatériel, présence et retrait, corps et espace.

Les sculptures deviennent progressivement des organismes de fil, de vide et de lumière, souvent conçus en relation avec l’espace qui les accueille. La forme ne se réduit plus à sa matière : ce qui la traverse, l’entoure et la rend perceptible fait également partie de l’œuvre.

À partir de 2014, la recherche s’inscrit durablement dans le réseau des galeries et des foires d’art contemporain, à travers expositions personnelles et collectives, projets publics et collaborations en Italie et à l’étranger.

De l’œuvre au processus

Ces dernières années, sa recherche s’élargit au-delà de l’objet sculptural. Le rapport aux personnes, aux lieux et aux processus par lesquels l’œuvre prend forme revêt une importance grandissante.

Avec BE KIND, la création collective, la participation, les rencontres et tout ce qui entoure la construction de l’œuvre cessent d’être seulement des moyens d’atteindre un résultat : ils deviennent partie intégrante de ce que le travail artistique rend possible.

La sculpture reste concrète et nécessaire, mais commence aussi à être la trace visible de quelque chose qui ne coïncide pas entièrement avec sa forme matérielle.

Abitare la Luce

Avec Abitare la Luce, cette transformation devient plus manifeste encore. La sculpture luminescente s’ouvre à un processus dans lequel rencontres, écoute, gestes manuels, participation et relations entrent concrètement dans la construction de l’œuvre.

L’œuvre finale ne constitue pas nécessairement l’aboutissement du travail. Elle peut devenir la trace visible d’un processus plus vaste et partiellement invisible : temps partagé, savoir-faire acquis, relations nées, paroles, transformations et possibilités rendues accessibles par le parcours.

La lumière ne concerne donc plus seulement ce qui se produit dans la sculpture, mais aussi l’espace humain et relationnel qui peut se former autour d’elle.

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Écologie générative

C’est dans ce passage que se précise la recherche qu’Inglese nomme Écologie générative.

L’œuvre n’est plus envisagée uniquement comme une forme à produire, mais comme une partie d’un environnement de conditions, de relations et d’expériences capable d’ouvrir des possibilités que l’artiste ne détermine pas entièrement.

La question de la lumière demeure centrale, mais s’élargit : de la lumière comme présence dans la sculpture à la possibilité de créer des espaces où quelque chose puisse émerger, entrer en relation et trouver sa forme propre.

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