Giuseppe
Inglese

L’origine della ricerca

Giuseppe Inglese nasce a Rivoli nel 1978. Vive e studia nell’area torinese e nel 1998 si iscrive al corso di laurea in Filosofia presso l’Università degli Studi di Torino.

Gli anni della formazione sono caratterizzati da un interesse costante per il rapporto tra esperienza, percezione, identità e realtà. Filosofia, psicologia e studio dei processi percettivi costituiscono alcuni dei riferimenti attraverso i quali prende forma una ricerca inizialmente esistenziale e successivamente sempre più legata alla pratica artistica.

Particolare importanza assumono il criticismo kantiano, gli studi della Gestalt sulla percezione — attraverso autori come Kurt Koffka, Wolfgang Köhler e Max Wertheimer — e il confronto con l’esistenzialismo. Parallelamente approfondisce il rapporto tra segno, gesto, colore e dimensione interiore.

L’arte diventa progressivamente il luogo nel quale queste domande possono assumere una forma sensibile: non illustrazione di una teoria, ma esperienza nella quale materia, percezione, gesto e interrogazione sull’esistenza possono incontrarsi.

La pratica artistica inizia da autodidatta durante l’adolescenza e viene successivamente approfondita attraverso il confronto con artisti e studi del territorio. Nel 2011 apre il primo atelier, dando una forma stabile alla propria attività e alla propria ricerca.

Materia, vuoto e presenza

La prima fase della produzione è prevalentemente pittorica e affronta temi legati alla presenza dell’essere, alla frammentazione, alla relazione con l’altro e alla condizione dell’individuo dentro il mondo.

Progressivamente la ricerca si sposta dalla materia verso il vuoto. Il segno grafico e il filo metallico assumono una funzione sempre più importante, fino a diventare una nuova grammatica visiva capace di costruire la forma senza riempirla completamente.

Nel 2012 Inglese abbandona progressivamente la materia pittorica e approda all’intreccio metallico. Il filo diventa contemporaneamente struttura, disegno, gesto e movimento, mentre il vuoto entra a far parte dell’opera non come semplice assenza, ma come elemento attivo della scultura.

La scultura come luogo della luce

Nel 2013 realizza la prima scultura luminescente in filo di acciaio intrecciato a mano. Da quel momento la luce entra stabilmente nel suo linguaggio artistico.

La luminescenza non viene utilizzata come semplice effetto visivo. La luce attraversa la trama metallica, modifica la percezione della forma e rende instabile il confine tra materia e immateriale, presenza e sottrazione, corpo e spazio.

Le sculture diventano progressivamente organismi di filo, vuoto e luce, spesso pensati in relazione allo spazio che li ospita. La forma non coincide più soltanto con la materia che la costituisce: anche ciò che la attraversa, la circonda e la rende percepibile entra a far parte dell’opera.

Dal 2014 la ricerca entra stabilmente nel circuito delle gallerie e delle fiere d’arte contemporanea attraverso mostre personali e collettive, progetti pubblici e collaborazioni con diverse realtà italiane e internazionali.

Dall’opera al processo

Negli anni più recenti la ricerca si amplia progressivamente oltre l’oggetto scultoreo. Il rapporto con le persone, i luoghi e i processi attraverso i quali l’opera prende forma assume un peso sempre maggiore.

Con BE KIND il fare insieme, la partecipazione, gli incontri e ciò che accade intorno alla costruzione dell’opera iniziano a non essere più soltanto strumenti necessari per raggiungere un risultato, ma parte di ciò che il lavoro artistico rende possibile.

La scultura rimane concreta e necessaria, ma comincia a essere anche la traccia visibile di qualcosa che non coincide interamente con la sua forma materiale.

Abitare la Luce

Con Abitare la Luce questa trasformazione diventa ancora più evidente. La scultura luminescente si apre a un processo nel quale incontri, ascolto, manualità, partecipazione e relazioni entrano concretamente nella costruzione dell’opera.

L’opera finale non coincide necessariamente con il compimento del lavoro. Può diventare la traccia visibile di un processo più ampio e in parte invisibile: il tempo trascorso insieme, le competenze acquisite, le relazioni nate, le parole, le trasformazioni e le possibilità che il percorso ha contribuito a rendere accessibili.

La luce non riguarda quindi più soltanto ciò che accade dentro la scultura, ma anche lo spazio umano e relazionale che può prendere forma intorno ad essa.

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Ecologia Generativa

È all’interno di questo passaggio che si sta definendo la ricerca che Inglese indica con il nome di Ecologia Generativa.

L’opera non viene più considerata soltanto come una forma da produrre, ma come parte di un ambiente di condizioni, relazioni ed esperienze capace di aprire possibilità che l’artista non determina completamente.

La domanda sulla luce rimane centrale, ma si amplia: dalla luce come presenza nella scultura alla possibilità di creare spazi nei quali qualcosa possa emergere, entrare in relazione e trovare una propria forma.

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